菡萏
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星期一上午，去看画展，吃了闭门羹。在外面坐了一个多小时，昨天再去。
此次参展的一百多幅画均为订制，邀约了不少外省国家级美术师的作品，无论形式、规模、还是质量，均有国展风范。筹展五年，涉猎题材越千载，集诸多名家精良之作，堪称荆州历来画展之最。但依旧是开幕式即闭幕式，昨日展厅空空如也。艺术式微，没多少人关心，即便关心，大多感兴趣画作背后的经济价值，而非艺术的本质、精髓与知识支撑。
长江大学周松竹绘的江汉平原，借用青绿山水语言，表现楚国风貌。加座万寿宝塔突显地方特色，亦有历史纵深感；添座长江大桥，便具备了现代化元素。一旧一新遥遥相对，皆人类存在的足迹，也是荆楚地区的绵延变迁。把青绿山水切割成条屏，在形式上有了创新意味，也就有了现代感。创作理念好，跟得上时代，非写实的场面性场景。画面清新，不火燥。青绿山水属南方特色，江汉平原极少。北方讲究气势雄浑，用枯笔呈现。
艺术，即创造，忌陈词滥调。创新，乃其活力，也只有创新才能找到自身定位。审美陈旧，再好的功夫皆可惜。就像一名作家，多少年一味写着八九十年代的小说散文，哪怕起承转合天衣无缝，也势必落伍，引起审美疲劳。样板一旦成为大众，势必走向平庸。
《九歌图》可用“天地生死”四字概括，即人之肉眼所能触及的宇宙范围。囊括云神、日神、河神、山神等。即日月云朵、山川河流，所谓的云神即掌控雨水之神。
整幅图为九条屏，一路向东，一路升腾。条畅自如，动感十足，人物始终处在行进飘逸中。舒卷的云朵，旋转的日月，回旋的河流，皆是生命体态生生不息的象征。
楚人尚红黑，红色背景用积墨法寓意混沌流转的宇宙，突显其神秘浪漫特质。
绘画语言恰到好处。流畅的线条，昂扬向上的精神，掌管一切的诸神展示着楚人的内在精髓。整幅画在诗意高歌中，又跌宕起伏，充满流动性及韵律美。管控生死的大司命和操纵爱的山鬼成为两座高峰，即人之本质，生死与爱。
舒展的衣袖，挺进的姿态呈现出楚文化的博大精深及恢弘气势。
形象艺术重形式对人之感染。艺术，有意味的形式，而主观能量的传递往往在形式中。
此画不小气，画意好，格调高，气韵生动。
东皇太一，天神，引领诸神一路向东。
云中君，云神，轩昂，稳重，升腾。
湘君，回流向东。
湘夫人，相伴东行。
大司命，寿夭之神。天门洞开，上阳求生，下阴作死，掌管生死大权。
少司命，子嗣之神。设小孩回眸，向东求变。
东君为日，乃太阳之神
河泊，河之神，依水偎月旋转仍向东。
山鬼，山神，也谓爱神。凸起盼爱，高潮收尾。
略去国殇。
此画一气呵成，似音乐流水，乃唐明松老师十年前《九歌图》的扩大版。比原作好，色上作了消减，求单纯醒目，光影变化莫测，加强气势节奏与神秘性。这样大的画作，裱起来不易，也只有裱起来，方能看到整体效果。因是订制，已不属于创作者本人，再看已很难。
《楚辞》的时代，依旧混沌，对自然了解匮乏。但敬天畏神，天人合一的理念不变，山鬼便是，人兽和谐，裸奔于自然。
《琢玉图》亦好，有创意，用熊家冢楚玉的颜色做主色调，单纯古雅；又用楚玉的形态拼成图案，中间部分留下浅色光源，集中表现人物琢玉过程。玉为外延，人乃精髓。玉是石头，其灵魂是人给予的，所以人的智慧方是中心，是作者要表达之物。此画非场面性场景，构图好，从形式至内容均佳，给观者留下足够的思考空间。
《抗洪画》把人物的状态、灾难心理、紧张气势营造得惟妙惟肖。真人大小，众多人物特写，气势恢宏。着重人物的精神刻画，颇具功力，是幅不可多得的撼心之作。
月夜中的《春秋阁》属版画，版画在技术上传承最早的活字印刷术，端庄素雅，油墨感十足。月夜清辉，树影参差，可谓刀刀见工。两侧刻列宋体字，增加形式感。既古亦新。
《太晖观》着重它的前世今生，历史变迁，注重思索与时间轨迹。若一味单纯求实，只画一观，艺术将大打折扣，便没太大贡献。
形式感、线条、色彩、造型均属语言范畴。语言好不好，决定画艺高不高。技法乃功底，表达能力。
太复古，过分借鉴古代东西，语言陈旧；或太写实，均是弊端遗憾之处。作品不能孤立地看，得横向对比，缺乏作者思维，必然单薄。雷同度，等同失败。技术再好，在构思的活跃度上没进取，便很难差强人意。
老一套的东西画得再好，已归历史，代表所在时代的巅峰，只能是基石或草木烟云，今人尚需搭建自己的平台与建筑。作品太写实，必然禁锢脚步延伸与思维弹射。有创新，方有自己的审美魂魄，不至于穿着别人的衣服。另外缺乏深沉情怀，对楚文化只是简单符号的堆积，而没深入其精神层面，也是不可取的。
构图失衡，过于小气，也会造成不流畅大派的视觉效应。比如有幅荷花图，整体颜色、构思、积墨均好，只是下面的鹭鸶太小，若把两只鹭鸶放大两倍，效果就出来了。整幅画立马拉升两个档次。
中国画和外国画属两种不同的精神理念。中国画绘的是修为，静水深流，支撑其内涵的大多是知识储备与心性修炼。中国人中庸，不冒险，融于俗世，按部就班地生活。而艺术的主要功能恰恰是避世，避世最好的方法，是修。
修养到一定时，技法随心所欲，也是艺术家成熟的表现。从有法到无法，挥洒自如。似写作的返璞归真，这种归真，非初始的寡淡，而是知识见解积攒到一定时的袖里乾坤，坐看云起云落。
中国人善于钻营日常，喜欢安逸，大家皆是，是种普遍现象。艺术是件奢侈之事，作者能在安逸中寻求孤独的欣慰，于有限范围追求内心自由，已属不错。此乃传统文化所决定的。
外国画大多绘的是激情，内心的震颤，命与血的喷洒。忧郁、奔放、哀愁，注重情绪表达。绘者的生活便是其画作，啥样生活，决定啥样画作。有口面包，活着能画就好。画，即其全部，有牺牲之美。梵高、列维坦、席勒均是，他们很少按常理出牌，拼命抗拒世俗，不婚不育，三十多岁便离世了。生活的残缺，由画笔弥补；也因绘画，让生活更不完整。他们身上除了天才因素，还有不可停歇的热情。肉身往往不重要，所以其画作，多半是滚烫的，即便忧郁，也有一双炙热闪光的眸子在画后窥视，也因此产生震撼人心的力量。
罗马尼亚巴巴的画，气势压人，稳重浑厚，大多表达人类心理深层次的苦难，无奈的叹息，以及对人物顽强精神的歌颂。渺茫的眼神，忍耐的极限，哲学上的不可知，其境界少有，是真正的大师级人物。画作充分概括人的精神气质，笔下人物不真实，不清楚，只是一种意象。非假人，是另种活着的生命，一看便晓得是艺术，非相机所能猎获。没情感，便没真实的东西，没真实的东西必假，属毫无意义的空壳。
珂勒惠支的战争图景，母亲、孩子，对人物的深刻同情，内心的苦痛挣扎，均表现得淋漓尽致。历史是辉煌的也是鲜明疼痛的。但绝非植入符号，便能代表历史。
艺术的本质乃精神寄托，作品能代表作者思想与情感便完事，其它次要。作为视觉艺术再现，乐趣便在于再现过程，表达达意且充分即成安慰济。任何物件摆放位置不同，含意不同。艺术很简单，作为观尝物失去它的实用价值，即所谓艺术。
艺术的功能大体两种，一、自慰；二、传世。写作如是，大多数创作者停留在第一层面，而后者由时间定义。
